アートアーカイブの注目アーティスト: アン・カラウ

アートアーカイブからアーティストに会います。 視覚的に魅力的な静物画や風景画のアーティストであるアンは、見た目以上のものを表現しようと努めています。 彼女のダイナミックなスタイルは見る人を魅了し、ありふれた風景や物体を二度見させます。

この情熱が彼女の仕事の原動力となり、その結果、彼女の傑出した教師としてのキャリアと人気のソーシャル メディア アカウントに原動力が与えられました。 直前のワークショップの宣伝からテクニックの紹介まで、アンは教育とソーシャル メディアがアート ビジネス戦略をどのように補完するかを見事に示しています。

作品を売ることは始まりにすぎないと信じている彼女は、ソーシャル メディア マーケティングのヒントと、学校の外でアーティストになる方法について生徒に教えていることを共有します。

アンナの作品をもっと見たいですか? 彼女を訪ねてください。

アーティストのスタジオの中（そして外）に行ってみましょう。

1. 静物画と風景があなたの作品の基本です。 これらのテーマについて何があなたにインスピレーションを与えましたか?また、どのようにしてそれらのテーマに焦点を当てるようになったのですか?

私は、視覚的に意味を持たないかもしれない視覚的に興味深いものを見つけます。 私は世界を抽象的な視点で見ています。 テーマに関係なく同じように仕事をします。 私は写真よりも実物から描くことを好むので、主題として静物を選ぶことがよくあります。 私はまた、訓練された目を養う手段として直接観察すること（実物に基づいて作業すること）の重要性を生徒に教える手段として静物画を使用しています。

それぞれのアイテムが何であるかだけではなく、そこから何が得られるかに注目します。 見て楽しいものを作りたい。 自発的で生き生きとしていて、目がよく動くもの。 視聴者には何度も見てもらいたいです。 自分の作品がそれ以上のものを見せたいと思っています。

私は子供の頃から絵を描いていて、大学では美術を学び、常に純粋に視覚的な観点から物事を見てきました。 面白い形や照明など、物体をもう一度見たくなるようなものを探しています。 これが私が描くものです。 それらはユニークではないかもしれませんし、必ずしも美しいとは限りませんが、私はそれらを私にとってユニークなものにしているものを表現しようと努めています。

2. さまざまな素材 (水彩、口、アクリル、油など) を使用して作品を制作します。これにより、アートがリアルで印象的なものになります。 どのようなツールを使用するのが好きですか?またその理由は何ですか?

私は、さまざまな用途やさまざまな理由から、あらゆる環境が好きです。 私は水彩画の表現が大好きです。 私は主題を正しく捉えてから、色、テクスチャ、ストロークを使用して次のレベルに引き上げるのが好きです。

水彩画はとても予測不可能で、とても流動的です。 私は各ストロークを記録するとき、それを一連の反応として見るのが好きです。 ほとんどの水彩画家とは異なり、私は最初に主題を鉛筆で描きません。 絵の具を動かして思い通りのイメージを作ります。 水彩画の技法も使用せず、ブラシでペイントします。時には単色で、時にはカラーで描きます。 それは主題を紙に描くことですが、同時にその媒体が何をしているのかに注意を払うことです。

キャンバスや紙に絵の具をどのように塗るかは、主題と同じくらい、あるいはそれ以上に重要です。 アーティストは全体的な描画と構成の点で優れた構造から始める必要があると思いますが、さらに多くのことをテーブルにもたらし、オブジェクトをどのように認識するかを視聴者に示す必要があります。

何かをユニークにするもの、それを見たくなるものは、目に見えないものです。 細かいことよりも、そのジェスチャーやその瞬間が重要なのです。 これが私が自分の作品に注入したい、自発性、光、振動というアイデア全体です。

3. アーティストとしてのあなたの方法をどのように説明しますか? スタジオで仕事をするのが好きですか、それとも外で仕事をするのが好きですか?

私は可能な限り、常に生活の中で仕事をすることを好みます。 私が中にいたら、静物画を飾るつもりです。 もっとたくさんのものが見えるので、私は絶対に実物から静物画を描きます。 これはより難しく、見ているものを見る目を訓練します。 人生からより多くのことを引き出すほど、より深みが増し、より優れた製図者になることができます。

私は屋外で働くのが好きなので、可能な限り現場で働きたいと思っています。 屋内にいる場合、私は通常、現場で行った調査に基づいて、いくつかの非常に簡単な写真を組み合わせてアートワークをスケッチします。 しかし、私は写真よりもリサーチに頼っています。写真は出発点にすぎません。 平坦なのでそこにいる意味がありません。 大きな作品に取り組んでいるときはそこにいることができませんが、スケッチブックにスケッチして（私は水彩画のスケッチが大好きです）、それをスタジオに持っていきます。

人生から描くことは、特に絵を描き始めたばかりの人にとって非常に重要です。 長く絵を描いていると、写真を撮ってそれをさらに何かに変えるのに十分な経験が積まれています。 初心者のアーティストはコピーを取りに行きます。 私は写真を認めませんし、アーティストは自分たちの語彙から「コピー」という言葉を削除すべきだと思います。 写真は単なる出発点にすぎません。

4. 何を 記憶に残る答えは次のとおりです 仕事はありますか？

「わあ、これはとても生き生きしていて、とても明るく、本物のエネルギーを持っています」と人々が言うのをよく聞きます。 人々は私の街並みについて、「まるで絵の中に入り込んでしまうような」と言います。 このような答えはとても嬉しいです。 これが本当に私が作品を通して言いたいことなのです。

プロットは非常に生き生きとしており、エネルギーに満ちています。視聴者はそれらを探索したくなるはずです。 私は自分の作品を静的に見せたくないし、写真のように見せたくありません。 そこに「こんなに動きがあった」ということを聞きたいのです。 そこから離れると、イメージが形成されます。 よく見ると色が混ざっています。 値と色を適切な場所に配置すると、そこから魔法が起こります。 それが絵を描くということなのです。

これらのスマート アート ヒント (またはブックマーク ボタン) を使用するには、メモ帳と鉛筆を準備する必要があります。

5. あなたは素晴らしいブログをお持ちで、インスタグラムの登録者数は 1,000 人を超え、Facebook のファンは 3,500 人を超えています。 毎週の投稿に影響を与えているものは何ですか?また、ソーシャル メディアはアート ビジネスにどのように役立っていますか?

私は自分の教育とアートビジネスを切り離していません。 私はそれを自分の活動の不可欠な部分として捉えています。 私は収入の一部をコースやマスタークラスから得ており、残りの一部は絵画から得ています。 この組み合わせが私のアートビジネスを構成しています。 私はソーシャル メディアを使用して自分の仕事の認知度を高め、人々に仕事を紹介し、潜在的な学生に連絡を取ります。

ワークショップを完了するためにあと XNUMX 人か XNUMX 人が必要な場合は、Facebook に投稿します。 私は授業で教えられている科目について投稿するので、たいてい人々を巻き込んでいます。 展示会に来てくれる潜在的なコレクターの人もいるので、自分の地域にターゲットを絞って投稿すると、人が来てくれます。 私の地域で知らない人々を惹きつけ、私の仕事の認知度を高めるのに間違いなく役立ちます。

デモを行うたびに投稿するので、ソーシャルメディアにたくさん投稿しています。 これにより、他のアーティストや将来の生徒たちに、私が何を教えているのか、主題にどのようにアプローチしているのか、マスターになるまでにどれだけの努力が必要なのかを知ることができます。

多くの初心者は、自分が何をしているのかを理解できるレベルに到達するのが待ちきれません。 彼らは、ギャラリーでの展示の準備がいつできるかを尋ねます。 ギャラリーでの展示を検討する前に、一連の作品を作成するには多くの時間と絶え間ない努力が必要です。 本当にどれだけの労力と労力がかかるか感謝しています。

また、次のレベルに進もうとしている他のアーティストにとって教育的なコンテンツも投稿します。 これは彼らに正しい方向を示し、将来のクラスで私と一緒に働くことへの興味を呼び起こします。

私は自分のブログ投稿を本物でポジティブなものに保ちます。それは私にとって非常に重要です。 初心者にとって重要ではないことがたくさんあるので、私はこれらのアーティストに基礎を提供したいと思っています。

6. あなたはニュージャージー美術センター、ハンタードン美術館、現代美術センターの教師です。 これはあなたのアート ビジネスにどのように当てはまりますか?

私はいつもデモンストレーションを行っており、教えることもアートビジネスの一環だと考えています。 私の最高の絵の一部は、生徒に教えるときのデモンストレーションからのものです。

私はデモンストレーションするのが大好きです。 私は学習者に自分で使えるスキルセットを提供することに興味があります。 スタジオでの個人的な時間ではなく、学習に重点を置くと、クラスからより多くの成果が得られます。

私自身の作品を例として使用します。 私は学生たちを旅行に連れて行きます。 私は毎回のレッスンをデモンストレーションから始めます。 私は補色、遠近感、構図など、デモで強調するコンセプトを常に持っています。

私は屋外でのワークショップもよく行っているので、ワークショップと数日間の絵を描くことを組み合わせています。 この夏、私はアスペンでパステルと水彩画を教えています。 より大きなプロジェクトに戻ったときに、そのリサーチを使用するつもりです。

話すことと絵を描くことを同時にできるので、混乱することはありません。 こんなことで悩んでいる人もいると思います。 デモが意味をなすことが重要です。 集中力を保つために、それについて話し、心に留めておいてください。 これがあなたのやっていることにおいて非常に重要なポイントであることを確認してください。 明らかに、私がコミッションに取り組んでいる場合は、授業中にそれを行うつもりはありません。 クラスでいくつかの大きな作品を作り、販売用の小さな作品を作りました。 教えるつもりなら、教えることができなければなりません。 美術を学ぶ学生は視覚的に学びます。

7. 教師としてのあなたの哲学と生徒たちに覚えておいてほしいレッスンの第一は何ですか?

本物であること。 自分以外の誰かになろうとしないでください。 強いものがあるならそれを活かしてください。 苦手な分野がある場合は、それを克服してください。 描画クラスやカラーミキシングのワークショップに申し込みましょう。 自分の弱点と闘い、最善を尽くす必要があるという事実を認識してください。

自分が興奮するものに忠実であり続けてください。 私は絵を描くのが大好きで、抽象画も大好きですが、絵を描くことが好きすぎるので、自分が純粋な抽象芸術家になることは決してないと思います。 これはアーティストとして私にとって重要な部分です。

それが望んでいない場合は、売上を増やすために何をより現実的に描くかを決めないでください。 あなたを駆り立て、最も興奮させるものを描きましょう。 これ以下のものは最高の作品とは言えません。

自分の弱点に取り組み、長所を伸ばしてください。 本当にやりたいことを追求し、それを成功させましょう。 すべての人を満足させることは決してできないので、市場を喜ばせるために変更しないでください。 だからあまり注文はしないんです。 他人の絵を描いて自分の名前を載せる気はありません。 何かを描くことに興味がないなら、やらないでください。 アーティストとしての評判を落とすリスクを負うよりも、彼から離れた方が良いでしょう。

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