アメリカのアーティスト。 世界を驚かせた7人の巨匠

アメリカのアーティストは非常に多様です。 サージェントのように明らかに国際的な人もいた。 生まれはアメリカ人ですが、成人してからのほとんどすべてをロンドンとパリで過ごしました。

その中には、ロックウェルのように同胞のみの人生を描いた本物のアメリカ人もいる。

ポロックのような、この世のものではないアーティストもいます。 あるいは、芸術が消費社会の産物となった人々。 もちろんこれはウォーホルのことだ。

ただし、彼らは全員アメリカ人です。 自由を愛し、大胆で、明るい。 以下の XNUMX つについて読んでください。

1. ジェームズ・ウィスラー (1834-1903)

ウィスラーは本物のアメリカ人とはとても言えません。 成長してから、彼はヨーロッパに住んでいました。 そして彼は幼少期をロシアで過ごしました。 彼の父親はサンクトペテルブルクに鉄道を建設しました。

少年ジェームズはそこで芸術に夢中になり、父親のつながりでエルミタージュ美術館とペテルゴフを訪れました（当時、これらはまだ一般公開されていない宮殿でした）。

ウィスラーは何で有名ですか? 写実主義から調性主義*に至るまで、彼がどのようなスタイルで書いていても、彼は XNUMX つの特徴によってほぼすぐに認識できます。 珍しい色と音楽名。

彼の肖像画の中には、古い巨匠を模倣したものもあります。 たとえば、彼の有名な肖像画「芸術家の母」のように。

アーティストは、ライトグレーからダークグレーまでの色を使用して素晴らしい作品を作成しました。 そして少し黄色。

しかし、これはウィスラーがそのような色を愛したという意味ではありません。 彼は並外れた人物でした。 彼は黄色い靴下を履いて、明るい傘をさして社交界に簡単に現れることができました。 そしてこの時代は、男性がもっぱら黒とグレーの服を着ていた時代でした。

『Mother』よりもライトな作品も多い。 例えば「シンフォニー・イン・ホワイト」。 これは展覧会にいたジャーナリストの一人がこの絵をこう呼んだものです。 ウィスラー氏はこのアイデアを気に入った。 それ以来、彼はほぼすべての作品に音楽的なタイトルを付けています。

しかし、1862 年に大衆はこの交響曲を好まなくなりました。 繰り返しますが、ウィスラーの独特の配色のせいです。 白い背景に白い服を着て女性を描くのは奇妙だと人々は考えました。

写真にはウィスラーの赤毛の愛人が写っています。 まさにラファエル前派の精神に沿っています。 結局のところ、当時、芸術家はラファエロ前派の主要な創設者の一人であるガブリエル・ロセッティと友人でした。 美しさ、百合、珍しい要素（狼の皮）。 すべてはあるべき姿です。

しかし、ウィスラーはすぐにラファエロ前主義から遠ざかりました。 彼にとって重要なのは外見の美しさではなく、気分と感情だったからです。 そして彼は調性主義という新しい方向性を生み出しました。

彼の調性様式による風景の夜想曲はまさに音楽のようです。 モノクロ、粘性。

ホイッスラー自身は、音楽のタイトルは絵自体、線や色に焦点を当てるのに役立つと述べました。 同時に、描かれている場所や人物については何も考えずに。

調性、それに近いもの 印象派、19世紀半ばには、大衆も感銘を受けませんでした。 当時流行していた写実主義とはかけ離れすぎています。

しかし、ウィスラーには認められるまで待つ時間があるだろう。 彼の人生の終わりに向けて、人々は喜んで彼の作品を購入し始めるでしょう。

2.メアリー・カサット（1844-1926）

メアリー・カサットは裕福な家庭に生まれました。 彼女は一生を気ままに生きることができた。 結婚して子供を産んでください。 しかし、彼女は別の道を選びました。 絵を描くために独身の誓いを立てる。

彼女は友達でした エドガー・ドガ。 水曜日にXNUMX回 印象派, 私はこの方向性に永遠に魅了されました。 そして、彼女の「青い椅子の少女」は、一般の人々が目にした最初の印象派作品です。

しかし、その絵を本当に気に入った人は誰もいませんでした。 19世紀、子供たちはカールしたカールとバラ色の頬を持ち、従順に座る天使として描かれていました。 そして、ここには明らかに退屈している子供がリラックスしすぎた姿勢で座っています。

しかし、自分の子供を持たなかったメアリー・カサットは、子供たちをありのままの自然なものとして描き始めたほぼ最初の人物でした。

当時、カサットには重大な「欠陥」があった。 彼女は女性でした。 彼女には、人生の絵を描くために一人で公園に行く余裕はありませんでした。 さらに他のアーティストが集まるカフェへ。 すべての男性！ 彼女に何ができるでしょうか？

大理石の暖炉と高価なティーセットのあるリビングルームで、単調な女性のティーパーティーを書きます。 人生は計り知れて、果てしなく退屈だ。

メアリー・カサットは決して認められなかった。 最初、彼女はその印象主義と、彼女の絵画が未完成であると思われる性質のために拒否されました。 そして、すでに20世紀に入って、アールヌーボーが流行したため、それは急激に「時代遅れ」になりました（クリムト) とフォービズム (マティス).

しかし、彼女は最後まで自分のスタイルに忠実でした。 印象派。 ソフトパステル。 お子様連れのお母さん。

カサットは絵を描くために母親であることを放棄した。 しかし、彼女の女性的な側面は、「Sleeping Child」などの優しい作品にますます現れています。 かつて保守的な社会が彼女にそのような選択を迫られたのは残念だ。

3. ジョン・サージェント (1856-1925)

ジョン・サージェントは、自分は一生肖像画​​家であると確信していた。 私のキャリアは順調でした。 貴族たちは彼に注文するために列をなした。

しかしある日、社会によれば、アーティストは一線を越えた。 映画「マダムX」の何がそれほど受け入れがたいのかを理解することは、今や私たちにとって困難です。

確かに、オリジナル版ではヒロインはストラップの片方を下ろしていました。 サージェントは彼女を「育てた」が、それは問題の解決にはならなかった。 注文は枯渇してしまいました。

公衆はどんな猥褻なものを見たのでしょうか？ そして、サージェントが自信過剰なポーズでモデルを描いたという事実。 また、透き通るような肌とピンク色の耳がとても雄弁です。

この写真は、セクシュアリティが高まったこの女性が他の男性の誘惑を受け入れることを厭わないと言っているかのようです。 しかも既婚者。

残念ながら、同時代人はこのスキャンダルの背後にある傑作を認識していませんでした。 ダークなドレス、明るい肌、ダイナミックなポーズ - 最も才能のある職人だけが見つけることができるシンプルな組み合わせです。

しかし、どんな雲にも明るい兆しがある。 サージェントはその見返りに自由を手に入れた。 私は印象派をさらに実験し始めました。 身近な状況で子供たちに手紙を書きましょう。 こうして登場したのが「カーネーション、リリー、リリー、ローズ」という作品です。

サージェントは、夕暮れの特定の瞬間を捉えたいと考えていました。 そのため、照明が適切なときに2日XNUMX分間だけ作業しました。 夏と秋に働きました。 そして花が枯れたら造花に植え替えました。

ここ数十年で、サージェントは自由への嗜好を深め、肖像画を完全に放棄し始めた。 彼の評判はすでに回復していますが。 彼はある顧客を無礼に却下し、彼女の顔よりも門をペイントする方が喜んでいるとさえ言った。

同時代人はサージェントを皮肉を込めて扱った。 モダニズムの時代には時代遅れだと考えます。 しかし、時間はすべてを所定の位置に置きました。

現在、彼の作品は最も有名なモダニストの作品と同等の価値があります。 まあ、大衆の愛については何も言うことはありません。 彼の作品を展示する展覧会はいつも完売します。

4. ノーマン・ロックウェル (1894-1978)

生前、ノーマン・ロックウェルほど人気のあるアーティストを想像するのは困難です。 アメリカ人の数世代は彼のイラストとともに育ちました。 魂を込めて彼らを愛しています。

結局のところ、ロックウェルは普通のアメリカ人を描いたのだ。 しかし同時に、彼らの人生を最もポジティブな側面から見せています。 ロックウェルは邪悪な父親や無関心な母親を見せたくなかった。 そして、彼と一緒にいると不幸な子供たちに会うことはありません。

彼の作品はユーモアに満ちており、豊かな色彩があり、人生の表情を非常に巧みに捉えています。

しかし、ロックウェルにとってその仕事が簡単だったというのは幻想である。 XNUMX 枚の絵画を作成するために、彼はまず被写体の適切な動作を捉えるために最大 XNUMX 枚の写真を撮ります。

ロックウェルの作品は何百万ものアメリカ人の心に多大な影響を与えました。 結局のところ、彼は絵を通して多くのことを語りました。

第二次世界大戦中、彼は自国の兵士たちが何のために戦っているのかを示そうと決意した。 絵画「Freedom from Want」も制作。 感謝祭の形式で、家族全員が十分に食事をし、満足して家族の休日を喜びます。

サタデー・イブニング・ポストで50年間勤務した後、ロックウェルはより民主的なルック誌に移り、そこで社会問題について自分の見解を表明することができた。

この頃の最も印象的な作品は「The Problem We Live With」です。

これは白人の学校に通った黒人少女の実話です。 人々（ひいては教育機関も）を人種によって区別してはならないという法律が可決されて以来。

しかし町民の怒りは際限がなかった。 学校に向かう途中、少女は警察に警備された。 これはロックウェルが見せた「日常的な」瞬間だ。

アメリカ人の生活を（彼ら自身が見たがったので）少し装飾された光で知りたいなら、必ずロックウェルの絵画を見てください。

おそらく、この記事で紹介されているすべての画家の中で、ロックウェルは最もアメリカ的なアーティストです。

5. アンドリュー・ワイエス (1917-2009)

ロックウェルとは異なり、ワイエスはそれほど前向きではなかった。 生来の隠遁者である彼は、何も飾ろうとはしなかった。 それどころか、彼は最も平凡な風景や平凡なものを描きました。 ただの麦畑、ただの木造家屋。 しかし、彼は彼らの中に魔法のような何かを垣間見ることさえできました。

彼の最も有名な作品は「クリスティーナの世界」です。 ワイエスは、彼の隣人である一人の女性の運命を示しました。 幼い頃から麻痺があり、彼女は農場を這い回っていました。

したがって、一見すると思われるかもしれませんが、この写真にはロマンチックなものは何もありません。 よく見ると、女性は痛々しいほど痩せている。 そして、ヒロインの足が麻痺していることを知ると、彼女が家からどれほど離れているかが悲しみとともにわかります。

一見すると、ワイエスは最も平凡なことを書いています。 こちらは古い家の古い窓です。 すでにボロボロになり始めているみすぼらしいカーテン。 窓の外は森が暗い。

しかし、このすべてにはいくつかの謎があります。 別の外観。

こうして子どもたちは、広い心で世界を見る方法を知ることができるのです。 ワイアットも同じように見えます。 そして私たちは彼と一緒です。

ワイエスのすべての事柄は彼の妻によって処理されました。 彼女は良いオーガナイザーでした。 博物館やコレクターに連絡を取ったのは彼女でした。

彼らの関係にはロマンスはほとんどありませんでした。 ミューズが現れなければなりませんでした。 そして彼女は、素朴だが並外れた容姿を持つヘルガとなった。 これはまさに多くの仕事で見られることです。

私たちは女性の写真画像だけを見ているように思えます。 しかし、何らかの理由で彼女から離れるのは難しいです。 彼女の表情は複雑すぎて、肩が緊張している。 まるで私たちも彼女と一緒に内心緊張しているようです。 この緊張の説明を見つけようとしています。

ワイエスは細部に至るまで現実を描写し、誰もが無関心ではいられない感情を魔法のようにその作品に与えました。

そのアーティストは長い間認識されませんでした。 魔法的ではあるものの、そのリアリズムは 20 世紀のモダニズムの傾向には適合しませんでした。

美術館の職員は彼の作品を購入するとき、注目を集めずに静かに購入しようとしました。 展覧会が開催されることはほとんどありませんでした。 しかし、モダニストたちの羨望の的には、彼らは常に大成功を収めました。 人々が大挙してやって来た。 そして彼らはまだ来ます。

記事内のアーティストについてもお読みください 「クリスティーナの世界。 アンドリュー・ワイエスの最高傑作。」

6. ジャクソン・ポロック (1912-1956)

ジャクソン・ポロックを無視することはできません。 彼は芸術においてある一線を越え、その後の絵画は同じものではなくなりました。 彼は、芸術では境界線なしに行うことが一般的に可能であることを示しました。 キャンバスを床に置いて、絵の具を飛び散らせたとき。

そして、このアメリカ人芸術家は、まだ具象的なものを追跡できる抽象芸術から始めました。 40 年代の彼の作品「Stenographic Figure」には、顔と手の両方の輪郭が見られます。 そして、私たちが理解できる十字やゼロの形の記号さえも。

彼の作品は賞賛されましたが、人々は急いでそれを購入しませんでした。 彼は教会のネズミのように貧しかった。 そして彼は恥ずかしげもなく酒を飲んだ。 幸せな結婚生活にもかかわらず。 彼の妻は彼の才能を賞賛し、夫の成功のためにあらゆることをしました。

しかし、ポロックは最初は壊れた性格でした。 彼の行動から、若くして死ぬことが彼の運命であることは若い頃から明らかでした。

この心の傷が最終的に44歳での死を招くことになる。 しかし、彼には芸術に革命を起こして有名になる時間はあるでしょう。

そして彼は1950年間の禁酒期間中にこれを実行しました。 彼は 1952 年から XNUMX 年にかけて実りある仕事をすることができました。 彼は点滴技術にたどり着くまで、長い間実験を続けました。

納屋の床に巨大なキャンバスを広げ、まるで絵の中にいるかのようにその周りを歩き回りました。 そして、塗料が飛び散ったり、単に注がれたりしました。

人々は、その信じられないほどの独創性と斬新さのために、彼の珍しい絵画を喜んで購入し始めました。

ポロックは名声に圧倒され、次にどこに進むべきか分からず、うつ病に陥った。 アルコールとうつ病の致命的な組み合わせにより、彼には生き残る可能性が残されていませんでした。 ある日、彼は泥酔して車を運転してしまいました。 前回。

7. アンディ・ウォーホル (1928-1987)

アメリカのような消費崇拝の国でのみ、ポップアートが生まれる可能性があります。 そして、その主な発案者は、もちろん、アンディ・ウォーホルでした。

彼は最もありふれたものを芸術作品に変えることで有名になりました。 これはキャンベルスープの缶で起こったことです。

この選択は偶然ではありませんでした。 ウォーホルの母親は、20年以上毎日息子にこのスープを与えていました。 彼が母親を連れてニューヨークに引っ越したときでさえ。

この実験の後、ウォーホルはスクリーン印刷に興味を持つようになりました。 それ以来、彼はポップスターの写真を撮り、さまざまな色でペイントしました。

これが、彼の有名なマリリン・モンローの絵の登場です。

そんなマリリンアシッドフラワーが無数に生み出されました。 ウォーホルは芸術をストリームに流しました。 消費社会ではそうあるべきです。

ウォーホルは、どこからともなく顔をペイントすることを思いついたわけではありません。 やはり、母親の影響がなかったわけではありません。 子供の頃、息子が長引く病気の間、彼女は塗り絵のパックを息子に持ってきました。

この子供の頃の趣味は彼の名刺となり、彼を驚くほど裕福にしました。

彼はポップスターだけでなく、先人の傑作も描きました。 それもわかりました ボッティチェリ作「ヴィーナス」.

「ヴィーナス」もマリリン同様、たくさんやられています。 芸術作品の独占性は、ウォーホルによって粉末に「消去」されました。 なぜアーティストはこんなことをしたのでしょうか？

昔の名作を広めるため？ それとも逆に、彼らの価値を下げようとしますか？ ポップスターを不滅にする？ それとも皮肉で死を盛り上げますか？

マドンナ、エルヴィス プレスリー、レーニンのカラー作品は、オリジナルの写真よりも認識しやすい場合があります。

しかし、傑作が影を落とすことはほとんどありませんでした。 それでも、原始的な「ヴィーナス」は依然として貴重なものです。

ウォーホルは熱心なパーティー好きで、多くの疎外された人々を魅了しました。 麻薬中毒者、失敗した俳優、または単にバランスを崩している人。 そのうちのXNUMX発が彼を一度撃った。

ウォーホルは生き残った。 しかし20年後、かつて負った傷がもとでアパートで孤独に亡くなった。

アメリカのるつぼ

アメリカ美術の歴史は浅いにもかかわらず、その範囲は広い。 アメリカの芸術家の中には、印象派（サージェント）、魔術的リアリズム（ワイエス）、抽象表現主義者（ポロック）、そしてポップアートの先駆者（ウォーホル）がいます。

アメリカ人は何事においても選択の自由を愛します。 何百もの宗派。 何百もの国々。 何百ものアートスタイル。 だからこそ、ここはアメリカ合衆国のるつぼなのです。

*階調性 - 画像が霧の中であるかのように、灰色、青、または茶色の色合いのモノクロの風景。 調性主義は、芸術家が見たものの印象を伝えるため、印象派の一分野とみなされます。

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